Mittwoch, 8. Januar 2020


We are looking for artists working with Jewellery art, Textile Art, Embroidery, Story Telling, Mythology, Fiction and Non Fiction, Performance, Soft sculpture to participate in "Helen's Dress" programme from Monday 22 to Saturday 27 June 2020.
Concept/Workshops/Curating: Loukia Richards and Christoph Ziegler. Traditional Greek embroidery is taught by Metaxia Hantelis.
Τhe ARTIST RESIDENCY/ WORKSHOPS/ EXHIBITION is realized by the Vamvakou Revival team in the frame of the project "Vamvakou Revival". The latter is realized thank to the moral and financial support of the Stavros Niarchos Foundation.
According to a myth version, Helen of Troy - Greek mythology's most famous adulteress - never left Sparta and her king husband to follow her lover Paris, prince of Troy; instead, she fooled Paris by giving him a speaking effigy which looked like her, talked like her, made love like her and dressed like her.
Thus, moon goddess Helen - her name derives from Selene/moon - fooled everybody and remained faithful only to her own self. This version of the myth gives participants the opportunity to work on Helen's imaginary effigy and adorn her dress with their own stories translated into the visual language of the embroidery motifs and /or jewellery.
During the workshop, participants experiment with traditional Greek textile techniques, develop a narrative and a concept of their new work, test the power of traditional textile practice to support women's social role, design with threads, words and movement the perfect outfit for a 2020s female role model and learn fascinating Greek embroidery techniques.
The Artist Residency/Workshops/Exhibition programme "Helen's Dress" is part of the "Vamvakou Revival" program for Summer 2020.
"Helen's Dress" focuses on and is inspired by the Greek myth of Helen, queen of Sparta, its versions and updated interpretations.
"Helen's Dress" offers eight (8) visual artists/designers/performers/writers/art theorists the opportunity to broaden their practice, to enrich their knowledge on the compatibility of Greek myhology to give valuable answers to contemporary dilemmas, discover the beauty of symbols and visual language of Greece’s embroidery motifs, deal with the concept of faith, love, betrayal and improvise on their own version of Helen's myth.
"Helen's Dress" focuses on the trinity: Embroidery - Narrative - Participatory Performance. It offers workhops on traditional and contemporary embroidery, on narrative and mythology, on textile art theory and practice, on performance; as well as, creative walks through Sparta and the region and interaction with the visitors and locals. The program is folllowed by the exhbitiion or presentation of the works or performances or narratives created during the Artist Residency.
Participation in the workshops program is obligatory for all team members regardless of their competence in the subject taught, for the workshops effectiveness is based on interaction of and creative interventions by all team members and not on hierarchical teaching.
Participants are obliged to give a short lecture on the topics and concepts the program focuses on or present their own practice and techiques on the last day of "Helen's Dress".
"Helen's Dress" programme starts in the morning of Monday 22 June 2020 and ends in the early afternoon of Saturday 27 June 2020.
English and Greek is spoken during the program.
"Helen's Dress" Open Call addresses international, mid-career visual artists or designers or performers / writers or story tellers/ art historians or critics working in one of the following disciplines:
Textile art/ Embroidery / Jewellery Art / Mythology / Performance/ Soft sculpture/ Fashion / Design / Story Telling or Fiction or Non-fiction.
Crafting, story telling and social bonding were not separated at the very beginning of art. The Helen's Dress workshops' holistic approach to performance, textile art, feminism, story telling and ritual aims at reuniting the fragmented reality of contemporary art by linking embroidery to a strong narrative, to symbols and allegories, to the very physical experience of team bonding through participatory performances.
Participation in "Helen's Dress" programme is fee free. No application fee is charged either.
Emerging artists or students or autodidacts or amateurs or mid-career artists who do not meet application requirements or have not been selected to participate in the program or cannot attend the whole program, may - nevertheless - apply to participate in the workshops as Followers. To that purpose, they must submit a Follower's Application (see more details below). Followers participation in "Helen's Dress" workshops is fee free.
CandIdates wishing to participate in the program should submit a portfolio including the following:
1. A short bio (150 words maximum) written in the first or the third person singular and highlighting the major events or achievements in the applicant's professional career and/or life.
2. A bullet point CV (one Α4 page maximum) including one or more sections such as; Education, Exhibitions/Presentations/Lectures, Awards or Distinctions or Grants, Catalogues or Publications, previous Artist In Residence experience, Teaching experience or Academic career or whatever the applicant considers to be of importance.
3. A short proposal (150 words maximum) on what the applicant wishes to achieve during/through the program.
4. An answer to the question (100 words maximum): What is the applicant's positive impact on the program, if selected?
5. Visual artists or Performers or Story Tellers should submit: Six (6) sharp and on focus photos of applicant's work or three (3) videos (3 minutes maximal duration each) or thee (3) sharp and on focus pictures and one (1) videos (3 minutes maximal duration). Writers or art theorists sould submit: Three (3) copies of text or text fragments (350 words maximum/each).
6. A Cover Letter mentioning that the candidate submits a portfolio application for the "Helen's Dress" program.
The applicant should also mention in the Cover letter, if in case of a non successful application, he/she wishes to participate in the fee free workshops as a Follower.
7. The applicant should also include in his/her Cover Letter the following information: Name, Age, Address, Country of Origin, Profession.
8. Application language is English and Greek.
The candidate may also include in his/her application portfolio (non obligatory):
1. A weblink/website/blog with pictures/text/documentation of previous events or projects.
2. Weblinks or PDFs with articles on his/her work or relevant interviews.
3. Whatever he/she thinks it is of importance for the best pesentation of his/her application.
The candidate e-mails his/her application (via WeTrasfer) to:
Sunday 19 January 2020 (11.59 pm CET).
Selected participants will be notified per E-mail by mid-February 2020. The names of the selected participants will be posted in the website and social media of "Vamvakou Revival" as well.
1. Six days/Five nights free accomodation in shared, double rooms (breakfast included) for the period Monday 22 June (check in) to Saturday 27 June (check out) in Vamvakou, Laconia/Peloponnese.
2. Free free workshop participation (see schedule below).
3. Individualized curatorial and consulting services to develop new work and present it in the best possible way.
4. Exhibition/presentation curation.
5. Promotion of the "Helen's Dress" program and participants' new work through the local, national and international Press.
6. . Promotion of the "Helen's Dress" program and participants' work through the websites and social media pages of "Vamvakou Revival" and its partners.
7. Photographic and video documentation of the "Helen's Dress" program.
8. Participants' fee free transport from Sparta to Vamvakou (in the morning of Monday 22 June 2020) or from Athens (Sunday 21 June 2020). Participants' fee free transport from Vamvakou to Sparta (in the afternoon of Satuday 27 June 2020) or to Athens (Sunday 28 June 2020). Please, note that additional accomodation cost outside the dates (check in) Monday 22 June an (check out) Saturday 27 June or transport fees for different dates than the ones explicitly mentioned above or to other destinations will be covered by the participant.
9. Available material free of charge for workshop purposes and for making new work.
10. Available material free of charge for the making of the exhibition/presentation.
11. Participants own and keep the works they created during the program.
12. Participants receive a certificate for participating in "Helen's Dress" program.
Eight (8) emerging artists, students, autodidacts, amateurs, young writers or Story Tellers, as well as applicants for the "Helen's Dress" AIR/Workshops/Exhibition programme who have not been admitted or cannot afford to follow the whole program, may apply for participating in the Followers' Fee Free Workshops Program.
Followers follow the same workshops program together with the selected participants, ask questions and add their comments or observations; however, they do not enjoy consulting or curating services nor show their work in the exhibition/presentation.
Please, submit:
1. A short bio (150 words maximum) written in the first or the third person singular and highlighting the major events or achievements in the applicant's professional career and/or life.
2. An answer to the question (100 words maximum): What is the applicant's positive impact on the program, if selected?
3. Visual artists or Performers or Story Tellers should submit: Six (6) sharp and on focus photos of the applicant's work or one(1) video (3 minutes maximum). Writers or art theorists submit: One copy of text or a text fragment (350 words maximum).
4. A Cover Letter mentioning that the candidate submits a Follower application for the workshops program.
5. The applicant should also include the following information in his/her Cover Letter: Name, Age, Address, Country of Origin, Profession.
8. Application language is English or Greek.
The candidate may also include in his/her application portfolio (non obligatory):
1. A weblink/website/blog with pictures/text/documentation of previous events or projects
2. Weblinks or PDFs with articles on his/her work or relevant interviews.
3. Whatever he/she thinks it is of importance for the best pesentation of his/her application.
The candidate e-mails his/her Follower application (via WeTrasfer) to:
Sunday 3 May 2020.
Selected Followers will be notified per E-mail by the end of May 2020. The names of the selected Followers will be posted in the website and social media of "Vamvakou Revival".
The next OPEN CALL for the fee free programme on "Jewellery and Ecology" (Septemeber 2020_Greece) will be published in January 2020.

Mittwoch, 4. Dezember 2019

"Landschaft im Fadenkreuz", 14.12.2019 - 09.02.2020, Tuchmacher Museum Bramsche

Landschaft im Fadenkreuz, Ellen Mäder-Gutz

Das Tuchmacher Museum Bramsche zeigt in der Ausstellung „Landschaft im Fadenkreuz“ vom 14. Dezember 2019 bis zum 9. Februar 2020 textile Werke der in Vechta und Freyenstein lebenden Künstlerin Ellen Mäder-Gutz. Sie studierte von 1975 bis 1982 an der Kunsthochschule Weißensee Grafik und Bildhauerei. Spätestens mit ihrem Weg in den Westen, der sie 1987 nach West-Berlin führte, erarbeitet sie einen individuellen Formenkanon. Im Mittelpunkt ihrer künstlerischen Arbeit steht die tiefgreifende Auseinandersetzung mit der Natur: die Suche nach der erfahrbaren Wirklichkeit und dem transzendenten Wesen der Natur.

„Ellen Mäder-Gutz“, so Christoph Tannert, künstlerischer Leiter des Berliner Künstlerhauses Bethanien, „malt, ausgesprochen atmosphärisch, mit Fäden. Sie navigiert von naturnahen Landschaftsperspektiven zu eher offenen Farbverläufen bis hin zu ornamentalen oder stark abstrahierten Flächenordnungen im Sinne des Konstruktivismus.“ Dabei arbeitet sie mit ganz unterschiedlichen Techniken: der Holzbildhauerei, dem Siebdruck, dem Transferdruck, der Zeichnung sowie dem Stricken und Weben. In der Ausstellung in der Kornmühle werden gewebte und gestrickte Landschaftsfotografien sowie florale Gebilde gezeigt.

Die Ausstellung wird Freitag, 13. Dezember um 19 Uhr im Tuchmacher Museum Bramsche eröffnet. 

Landschaft im Fadenkreuz


Ausstellungseröffnung: Freitag, 13.12.2019, 19.00 Uhr 

Di. – So. 10.00 – 17.00 Uhr
Mo. geschlossen
Eintritt: 5,00 Euro
ermäßigter Eintritt: 3,00 Euro
ermäßigter Eintritt für Gruppen ab 15 Personen: 4,00 Euro
freier Eintritt: Kinder & Jugendliche bis 18 Jahre

Mehr Informationen unter:

Montag, 2. Dezember 2019

"KUNST ⇆ HANDWERK" - Zwischen Tradition, Diskurs und Technologien, 15.11.2019 - 16.02.2020, Kunsthaus Graz

Haegue Yang, "The Intermediate – Hairy Tele Digi-Big-Bang Fanned Out”, 2018,Ausstellungsansicht “Triple Vita Nestings”, Institute of Modern Art, Brisbane, Australien, 2018, Courtesy kurimanzutto, Mexico City / New York, Foto: Carl Warner

Die neue Sonderausstellung im Kunsthaus Graz spiegelt das Interesse zeitgenössischer Künstler/innen am Material, an (kunst)handwerklichen Verfahren, am Experimentieren mit Materialien und Techniken wider. Dieses ist in den letzten Jahren auffällig gewachsen. Dabei entstehen Arbeiten, die sich auf kunsthandwerkliche, volkstümliche, künstlerische Traditionen sowie zeitgenössische und technologische Diskurse gleichermaßen beziehen. Der Umgang dieser Künstler/innen mit tradiertem Wissen, diversen Materialien und Verfahren ist nicht abschottend, sondern öffnend – hin zu anderen Kulturen, zur modernen und zeitgenössischen Kunst, zu aktuellen Diskursen und zu digitalen Entwicklungen. 

Die Ausstellung zeigt Werke von Azra Akšamija, Olivier Guesselé-Garai, Plamen Dejanoff, Olaf Holzapfel, Antje Majewski, Jorge Pardo, Slavs and Tatars, Haegue Yang und Johannes Schweiger. 

Olivier Guesselé-Garai und Antje Majewski, Ausstellungsansicht „And Berlin Will Always Need You. Kunst, Handwerk und Konzept Made in Berlin“, Gropius Bau, Berlin, 2019,© Antje Majewski, Foto Mathias Všlzke, Courtesy der Künstlerin und VG Bild-Kunst, Bonn

Das gesellschaftliche Interesse am Handwerk ist in den letzten Jahren enorm gewachsen, wobei sich Vorstellungen davon diversifiziert und in verschiedene Richtungen entwickelt haben. Zum einen findet sich ein gestiegenes neokonservatives Qualitätsbewusstsein und damit einhergehend der gehobene Konsum von handwerklichen Gütern, zum anderen haben DIY-Bewegungen, und hier vor allem der sogenannte „Craftism“, an Fahrt aufgenommen. Und nicht zuletzt kann man politische Einverleibungen von Handwerk in einer Reihe mit Begriffen wie Heimat, Volk, Volkskunst und Tradition beobachten. 

Olivier Guesselé-Garai, "Hommage an den afrikanischen Quadratmeter", 2017, Öl auf organischem Grund, Garn, Plastik, Raffiabast, © Olivier Guesselé-Garai

KUNST HANDWERK entstand vor dem Hintergrund dieser Entwicklungen und dem Geflecht an Bedeutungen, die mit „Crafts“ und „Handwerk“ heute assoziiert werden. Der Titel deutet eine Beziehung von Kunst und Handwerk an, lässt die beiden Begriffe jedoch getrennt voneinander stehen. Die Ausstellung fragt danach, wie heute ein fruchtbarer Dialog zwischen Kunst und Handwerk aussehen könnte und rückt beide in einen größeren gesellschaftlichen Zusammenhang. Die Bedeutung und Wertschätzung des Handwerks als wesentlicher Bestandteil materieller Kultur, kultureller Identität und Gemeinschaft wird dabei mit sozialen sowie ökonomischen Verhältnissen in einer globalisierten Welt zusammengedacht. Die Künstlerinnen und Künstler fordern damit kulturelle Zuordnungen, Identitätskonzepte oder Kategorisierungen aller Art heraus. Die Arbeiten zeigen, wie sehr sich lokale Identifikationen und globale Entwicklungen längst ineinandergeschoben haben. Sie fragen aber darüber hinaus – ohne Verklärung –, wie sich unter den gegenwärtigen ökonomischen Verhältnissen noch ein „handwerkliches“ Verhältnis der Arbeitenden zu den Gegenständen ihrer Arbeit denken und umsetzen lässt. 

Slavs & Tatars, "Friendship of Nations", 2017, Installationsansicht “The Vague Space”, Weserburg Museum, Bremen

Die Ausstellung beginnt mit einer alten Grenzziehung, nämlich zwischen Kunst und Handwerk, um diese dann Schritt für Schritt aufzulösen, Verbindungen zwischen moderner/zeitgenössischer Kunst, Handwerk und neuen Technologien, zwischen europäischer und nicht europäischer Kunst herauszuarbeiten und zwischen klassischen Gegensätzen zu vermitteln. Ausgehend von einem großen Interesse an Materialien, Materialitäten und handwerklichen Techniken widmen sich die Künstler/innen auch Definitionen, Einstellungen, Hierarchien, Ideologien, Konstruktionen, Klassifizierungen, Vorurteilen, die sich an den Blick auf, den Umgang mit und die Rezeption von Materialien und Verarbeitungsformen heften. Warum bezeichnen wir eine hölzerne Schnitztür heute vorschnell als altmodisch? Plamen Dejanoff rückt diese in einen deutlich zeitgenössischen Zusammenhang. Angesichts des Materials Filz denkt man vielleicht an Joseph Beuys, auch wenn einem gleichzeitig Assoziationen an Weihnachts- und Mittelaltermärkte in den Sinn kommen mögen. Johannes Schweiger widmet sich in seinen Arbeiten gegensätzlichen Aufladungen von Filz und anderen Stoffen. Schaffen Künstlerinnen bedeutende Werke? Heute wird dies selbstverständlich bejaht. Früher sah man Frauen im Bereich des Kunsthandwerks bzw. Kunstgewerbes besser aufgehoben. Dies folgte der Vorstellung einer autonom konzipierten Kunst als Ausdruck (höherwertiger) geistiger Prozesse und einer angewandten Kunst als deren (minderwertigere) Übersetzung. 

Johannes Schweiger, "Sampleschlaufe – Attenhut Themaverfehlung", Nousmoules, Wien, 2016, Courtesy des Künstlers

Wie bewerten wir heute die Arbeiten – etwa kamerunischer Kunsthandwerker/innen? Sind die von ihnen hergestellten Schamschürzen, inzwischen begehrte Sammlerstücke, auf Augenhöhe mit abstrakter, westlich-europäischer Kunst zu sehen? Olivier Guesselé-Garai und Antje Majewski formulieren in ihren Arbeiten Kritik an einer Kunstgeschichtsschreibung, die „viele Künstler/innen vergisst, visuelle Kunst kategorisiert und territorial subsumiert, so wie man sie haben wollte – auch in Bezug auf Außereuropa.“ Ihr Beitrag wendet sich gegen trennende Kategorisierungen im Verhältnis der Kulturen zueinander. Das trifft auch auf Slavs and Tatars ́, Haegue Yangsund Azra Akšamijas Arbeiten zu. Wenn also die Künstler/innen in und mit ihren Arbeiten für Zwischenräume, Übergangszonen, opake Räume plädieren und sich gegenüber Kategorisierungen, Binärismen und Oppositionen skeptisch zeigen, dann machen sie damit auch einen Raum auf, in dem praktische Annäherungen stattfinden können. So haben Friedrich Teppernegg, ein steirischer Seiler, Fatou Kamdem, afrikanische Friseurin in Graz, und der Künstler Olivier Guesselé-Garai für die Arbeit La Mur murmura zusammengearbeitet.  
Doch in der Ausstellung stehen Auffassungen von Handwerk, die mit Handarbeit verbunden sind, auch zur Disposition: Jorge Pardoarbeitet selbstverständlich mit neuen Technologien wie CNC-Fräsen, -Stanzen und Laser. Pardo wie auch Olaf Holzapfel und Azra Akšamija setzen sich selbstverständlich über eine weitere klassische Trennung hinweg: jene zwischen Handarbeit und Technologie. Das Interesse der Künstler/innen am Dazwischen, an Übergangszonen, bedeutet jedoch nicht notwendigerweise Ungenauigkeit oder gar Beliebigkeit, es zwingt sogar zu einer noch größeren Präzision im Umgang damit und auch zu einer „Haltung“, wie es Holzapfel formuliert.

Zur Ausstellung erscheint Anfang 2020 ein Katalog im Verlag für moderne Kunst, Wien, der im Shop des Kunsthauses Graz erhältlich sein wird.

Nach Ausstellungsende in Graz ist KUNST HANDWERK ab 14. März 2020 in der Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig zu sehen und ab 13. Juli 2020 in der Kestner Gesellschaft Hannover.

"KUNST ⇆ HANDWERK" - Zwischen Tradition, Diskurs und Technologien
15.11.2019 -16.02.2020
Kunsthaus Graz
Lendkai 1
8020 Graz, Österreich

Di -So/Feiertags: 10 - 17 Uhr

Mehr Informationen unter:

Donnerstag, 28. November 2019

"Die Fäden der Moderne. Matisse, Picasso, Miró … und die französischen Gobelins", 6. Dezember 2019 – 8. März 2020, Kunsthalle München

Pablo Picasso (1881–1973)
Frauen bei ihrer Toilette, 1971-1977
Manufacture des Gobelins
290 × 425 cm, Wolle
Sammlung Mobilier national
© Succession Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2019, Foto: Françoise Baussan

Zum ersten Mal in Deutschland präsentiert die Kunsthalle München Tapisserien, die in der Pariser Manufacture des Gobelins nach Entwürfen der namhaftesten Künstler des 20. und 21. Jahrhunderts entstanden – unter ihnen Henri Matisse, Pablo Picasso, Le Corbusier, Joan Miró und Louise Bourgeois. Anhand einer Vielzahl großformatiger Wandbehänge spannt die Ausstellung den Bogen vom Ende des Ersten Weltkriegs bis in die Gegenwart und zeigt, wie überraschend modern das traditionsreiche Handwerk der Gobelin-Weberei tatsächlich ist.

Louis Anquetin (1861–1932)
Die Mobilmachung, 1935
Manufacture de Beauvais
410 × 322 cm, Wolle
Sammlung Mobilier national
© Mobilier national, Foto: Philippe Sébert

Die Ausstellung präsentiert einen nahezu unbekannten Aspekt im Schaffen zahlreicher moderner Künstler von Weltruhm: Gewohnte Gattungsgrenzen erweiternd, wandten sie sich der Tapisserie zu und gaben der jahrhundertealten Kunst der »Bildwirkerei« immer wieder neue Impulse. In der unter Ludwig XIV. (1638 – 1715) gegründeten Manufacture des Gobelins sowie in weiteren französischen Werkstätten entstanden nach den Vorlagen der Künstler nicht nur Tapisserien, sondern auch Möbel und Bodenteppiche von herausragender Qualität – von denen ebenfalls Beispiele in der Ausstellung zu sehen sind. In enger Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Webern werden in den Manufakturen bis heute einzigartige textile Meisterwerke geschaffen, die sich durch die Verbindung von künstlerischem Einfallsreichtum und handwerklicher Virtuosität auszeichnen. 

Sonia Delaunay (1885-1979)
Tafel 1954, 1999–2000
Manufacture des Gobelins
293 × 273 cm, Wolle
Sammlung Mobilier national
© Pracusa, Foto: Isabelle Bideau

Dabei werden die alten Techniken der Garnherstellung, des Färbens sowie des Webens und Knüpfens nahezu unverändert angewandt. Von der Vorlage bis zum fertigen Objekt nimmt die Herstellung eines großen Gobelins nach wie vor tausende Arbeitsstunden in Anspruch. In neun Kapiteln zeichnet der Ausstellungsparcours die Entwicklung der modernen Tapisserie und die Geschichte der französischen Manufakturen im 20. Jahrhundert nach. Die Exponate erzählen dabei nicht nur von historischen Umbrüchen, sondern auch von zahlreichen Neuerungen in der bildenden Kunst, die sich in diesem Jahrhundert entwickelt haben und die in der Textilkunst aufgegriffen wurden. Der Rundgang beginnt mit Tapisserien aus der Zeit nach dem Ersten Weltkrieg. Projekte, wie Georges Desvallières’ (1861 – 1950) Frankreich 1918 (1936), thematisieren das Schicksal der Nation während des Kriegs. Weitere, wie Edmond Yarz’ (1846 – 1921) Die Pyrenäen (1924), sind der Schönheit der französischen Heimat gewidmet. Die Faszination für andere, »exotische« Kulturen sowie der koloniale Machtanspruch der Grande Nation schlug sich in den Zwischenkriegsjahren in dekorativen Tapisserien wie Der Mekong (1935 – 1937) von Pierre-Henri Ducos de la Haille (1889 – 1972) nieder, mit denen sich die staatlichen Manufakturen auf Weltausstellungen wie der Exposition coloniale internationale von 1931 präsentierten.

Jean Lurçat (1892–1966)
Die Jahreszeiten. Sommer, 1940-1941
Atelier Goubely, Aubusson
335 × 485 cm, Wolle
Sammlung Mobilier national
© Fondation Lurçat / VG Bild-Kunst, Bonn 2019, Foto: Isabelle Bideau

Das nächste Kapitel ist Jean Lurçat (1892 – 1966) gewidmet, der sich seit den 1930er-Jahren einen Namen als Erneuerer der Tapisserie machte. Er propagierte die Rückbesinnung auf die charakteristischen Eigenschaften des textilen Mediums und forderte eine stark reduzierte Farbpalette, vereinfachte Formen und eine eigene dekorative, von der Malerei emanzipierte Bildsprache.Eine tiefe Zäsur in der Geschichte der modernen Gobelins beleuchtet der darauffolgende Ausstellungsraum, indem er die Rolle der Bildteppiche während des Zweiten Weltkriegs und der Manufakturen im besetzten Frankreich thematisiert. Die von Joachim von Ribbentrop und Herman Göring dort in Auftrag gegebenen Monumentalwerke zeugen vom Größenwahn der Nationalsozialisten – die unvollendete Tapisserie Die Erdkugel (1941 – 44) sollte eine Fläche von über 72 m² haben. Demgegenüber setzte Jean Lurçat die Tapisserie als Mittel des sozialistischen Widerstands ein und realisierte in den nicht-staatlichen Ateliers von Aubusson Projekte im Kontext der Résistance gegen das nationalsozialistische Regime. 

Henri Matisse (1869–1954)
Die Lautenspielerin, 1947–1949
Manufacture des Gobelins
170 × 213 cm, Wolle
Sammlung Mobilier national
© Succession H. Matisse / VG Bild-Kunst, Bonn 2019, Foto: Isabelle Bideau

Mit dem Ende des Zweiten Weltkriegs begann für die Manufakturen eine Zeit des Aufbruchs, in der verstärkt auf die Zusammenarbeit mit renommierten Künstlern gesetzt wurde. Die großen Meister wie Henri Matisse (1869 – 1954), Pablo Picasso (1881 – 1973), Sonia Delaunay (1885 – 1979) oder Joan Miró (1893 – 1983) sollten das Medium in die Gegenwart transportieren und der Tapisserie zu mehr Aufmerksamkeit innerhalb des Kunstsystems verhelfen. Viele ihrer Entwürfe wurden allein für die Umsetzung als Tapisserie geschaffen und setzen sich mit den charakteristischen Eigenschaften der textilen Kunstform auseinander. Die zunehmend abstrakten Strömungen der Nachkriegszeit in Malerei und Skulptur schlugen sich auch in Projekten der französischen Manufakturen nieder, beispielweise in Tapisserien nach Vorlagen von Hans Hartung (1904 – 1989) oder Zao Wou Ki (1920 – 2013). Der besondere Reiz vieler dieser gestisch-abstrakten Werke liegt dabei in der überzeugenden Art und Weise, wie selbst die feinsten Pinselstriche am Webstuhl nachgebildet wurden. Auch Op-Art Künstler wie Victor Vasarely (1906 – 1997) und Yaacov Agam (*1928) entwarfen Teppiche und Tapisserien mit den für sie typischen optischen Täuschungen, in denen der Eindruck von Bewegung sowie die Illusion von Dreidimensionalität entstehen. In Zusammenarbeit mit Bildhauern wie Alicia Penalba (1913 – 1982) und Edouardo Chillida (1924 – 2002) wurden zudem die Grenzen des Mediums ausgetestet und erweitert: In Penalbas Triptychon (1982 / 83) heben sich schwere, schwarze Formen reliefartig von einem weißen Untergrund ab und erweitern damit die Tapisserie in den Bereich des Skulpturalen. 

Alain Séchas (*1955)
Eine Karte Japans, 2012–2017
Manufacture des Gobelins
300 × 240 cm, Wolle, Seide
Sammlung Mobilier national
© Alain Séchas / VG Bild-Kunst, Bonn 2019, Foto: Isabelle Bideau

Den Abschluss der Ausstellung bildet eine Reihe von Exponaten, die sich mit neuen Medien und digitalen Bildgebungsverfahren auseinandersetzen und damit progressiv die Zukunft der Tapisserie gestalten. Unter diesen Arbeiten finden sich fotorealistische Tapisserien, beispielsweise Freitag (2010) von Patrick Tosani (*1954), ebenso wie Werke, die ungewöhnliche Perspektiven oder digitale Bildsprachen adaptieren. Wenn Raymond Hains (1926 – 2005) in seinem Tapisserie-Diptychon Von Eustache bis Natacha (2001 – 2005) die klassische Bordüre durch den Frame eines Computerbildschirms ersetzt, ist das nicht nur eine Aktualisierung traditioneller Bildelemente. Damit wird auch auf die strukturelle Ähnlichkeit digitaler Bildgebungsverfahren, die auf Pixeln basieren, und der ebenfalls rasterartigen Webstruktur der Tapisserie hingedeutet. 

Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Mobilier National und den Manufactures des Gobelins, de Beauvais und de la Savonnerie. Sie ist angelehnt an die Ausstellung »Au fi l du siècle«, nach einem Konzept von Thomas Bohl, Christiane Naffah-Bayle, Lucile Montagne und Gérald Remy, die vom 10.4.2018 – 4.11.2018 in der Galerie des Gobelins in Paris zu sehen war. »Die Fäden der Moderne« wird nach der Präsentation in München in der Kunsthal Rotterdam gezeigt. Das Mobilier national in Paris vereint unter sich die Manufacture des Gobelins, die Manufacture de Beauvais und die Manufacture de la Savonnerie. Zu den Aufgaben der staatlichen Institution zählen neben der Vergabe von Tapisserieprojekten auch die Pflege, Erforschung, Erweiterung und restauratorische Instandhaltung der eigenen Sammlung sowie die Förderung der Webausbildung. Bis heute stattet das Mobilier national die öffentlichen Repräsentationsräume Frankreichs mit historischen wie zeitgenössischen Tapisserien, Möbeln und Bodenteppichen aus und organisiert Ausstellungen in der Galerie des Gobelins sowie in Kooperation mit anderen Institutionen. Der Großteil der in dieser Ausstellung gezeigten Werke stammen aus der Sammlung des Mobilier national.

"Die Fäden der Moderne. Matisse, Picasso, Miró … und die französischen Gobelins“
6. Dezember 2019 – 8. März 2020
 Kunsthalle München

täglich 10–20 Uhr
31.12.:10–17 Uhr
25.2.: 10–18 Uhr 

Sonderöffnungszeiten für Schulklassen: jeden Mittwoch 9–10 Uhr, Anmeldung erforderlich: 

Regulär: € 12 | 
Ermäßigungen: Senioren (60+): € 11
Schüler, Auszubildende, Studenten (< 30 Jahre) und Arbeitslose: € 6
Kinder und Jugendliche (6–18 Jahre): € 1
Kinder bis 6 Jahre: frei
angemeldete Schulklassen: € 1 p.P.
Familienkarte für 2 Erwachsene und ihre (Enkel-)Kinder (< 18 Jahre): € 22
montags 50% Ermäßigung auf alle Eintrittspreise (außer 6.1.2020) 

FÜHRUNGEN Führungen für Gruppen: Di–Sa, 10–20 Uhr; 
Anmeldung erforderlich:  

Mehr Informationen unter: