Sonntag, 14. Juni 2020

"Mit Stich und Faden - Expressionistische und zeitgenössische Kunst im Gegenüber", 06.03. - 01.11.2020, August Macke Haus, Bonn

August Macke / Maria Marc / Elisabeth Macke Orientalische Frauen, 1948–1950
Woll- und Seide auf Leinen,
76x 95 cm
Privatbesitz
Museum August Macke Haus
© Museum August Macke Haus / Foto: David Ertl



Einmal jährlich wird im Museum August Macke Haus ein Brückenschlag vom Expressionismus in die zeitgenössische Kunst gewagt. Ausgangspunkt ist das Werk von August Macke, das im Künstlerhaus in einer Dauerausstellung zugänglich ist und Macke als Gesamtkunstwerker zeigt. In der geplanten Sonderausstellung geraten Werke der klassischen Moderne und 12 spannende Positionen der Gegenwartskunst in einen Dialog.





Wie andere Handarbeiten auch ist Sticken heute wieder überall präsent: in der Mode, in der Raumdekoration wie in der Kunst. Der Widerspruch beziehungsweise die ironische Spannung zwischen dem althergebrachten Medium und den modernen Inhalten ist von großem Reiz, Selbstgemachtes als Antwort auf Industrialisierung und Ent-Individualisierung steht hoch im Kurs und erscheint beinahe wie eine subversive Aktion.


Jochen Flinzer Aus der Serie Floating World: Relativität der Gleichzeitigkeit, 2017/19
 Seidenfaden, Papier, 40 x 30 cm
courtesy of the artist + Holger Priess Galerie
© Foto: Jochen Flinzer



Vor diesem Hintergrund ist die Frage nach der Rolle und den Spielarten zeitgenössischer Kunst von besonderem Interesse. Wird heute Sticken als künstlerisches Material verwendet, hat dies eine besondere Aussagekraft – auch vor dem Hintergrund, dass hier immer noch eine weibliche Aura mitschwingt. In den Mädchenschulen war Sticken Teil des Unterrichts und sollte die von der Gesellschaft geforderten weiblichen Tugenden wie etwa Disziplin, Sittsamkeit und Sauberkeit herausbilden und wie Lesen, Rechnen und Schreiben vermitteln. Der Expressionismus rückte mit der Stickerei das Gesamtkunstwerk in den Blick. August Macke, Ernst Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky, Gabriel Münter, Franz Marc und andere stickten, um ihre Malerei in den Raum und damit in den Alltag zu übertragen und Kunst und Leben miteinander zu durchdringen.


Ernst Ludwig Kirchner / Erna Kirchner
Figurenreiche Szenen aus dem Leben – Tänzer und Tänzerinnen, um 1919/1920
Tischdecke, Stramin, bunte Wolle, 108 x 76 cm
Badisches Landesmuseum Karlsruhe
© Foto: Thomas Goldschmidt



In revolutionärer Weise sprengten die Künstlerinnen und Künstler dabei die Grenzen zwischen Kunst und Handwerk. Dabei blieb mit der Stickerei die Nähe zur bemalten Leinwand erhalten, denn es handelte sich um dieselbe Ausgangsbasis wie bei der Malerei: mit Pinsel und Stift ließen sich die Entwürfe auf den zu stickenden Stoff übertragen. Die Ausführung erfolgte durch die Frauen bzw. Lebensgefährtinnen der männlichen Künstler, die wie Gabriele Münter oder Maria Marc häufig selbst Künstlerinnen waren und auch ihre eigenen Entwürfe realisierten.


Vanessa Oppenhoff
The thorough civilan, 2016

Faden, Vellum, Acryl, Zeitungspapier und Gouache, 35 x 41,5
Privatbesitz
courtesy of the artist + Galerie Martina Kaiser
© Foto: Michael Klein



Doch wie gehen Künstlerinnen und Künstler heute mit diesem Medium um? Was fasziniert an der uralten, kleinteiligen und äußerst zeitaufwändigen Technik? Längst geht es heute nicht mehr um die Grenzüberschreitung von Kunst und Handwerk. Vielmehr wird die Stickerei als künstlerisches Ausdrucksmittel gesehen, das gleichwertig neben oder im Zusammenklang mit den klassischen Techniken wie Malerei, Zeichnung, Fotografie oder Plastik steht. Der Umgang mit dem Material weist eine ebenso große Bandbreite auf wie der inhaltliche Radius. So hinterfragen Suscha Korte und Sylvie Hauptvogel ganz unmittelbar historische Kontexte und Erwartungshaltungen. Barbara Wrede zeichnet gleichsam mit dem Faden ihren figurativen Kosmos menschlicher Abgründe aus Realem und Irrealem, Verzweiflung und Humor. Jochen Flinzer spinnt auf beiden Seiten des Bildträgers ein feines Netz aus Fäden, wobei Gegenstand und Abstraktion, Subjektives und Objektives ein zusammenhängendes Pendant ergeben, das sich im Arbeitsprozess entwickelt. Gisoo Kim greift in ihrer Stickerei in ihre eigenen Schwarz-Weiß-Fotografien ein. Indem sie den Bildträger durchsticht und mit farbigen Fäden durchzieht, Wegeführungen betont, Gegenstände eliminiert oder mit Akzenten versieht, entsteht etwas vollständig Neues, wird das Dokumentarische wieder außer Kraft gesetzt.


 
Claudia Kallscheuer Für Maria, 2018
Sessel, Stickerei, Faden, 85 x 75 x 60 x 80 cm
courtesy of the artist + Mianki Gallery
© Foto: Peter Hinschläger, Aachen



Claudia Kallscheuer arbeitet mit Fundstücken, die zum Bildträger werden. Und während Robert Abts Gedankenverbindungen ins Dreidimensionale überführt, tastet sich Angelika Frommherz mit ihren fragilen, reliefartigen Arbeiten in den Raum vor. Alexandra Knie untersucht demgegenüber die Überschneidung von Kunst, Handwerk und Wissenschaft, Vanessa Oppenhoff erfindet ironisch-bissige Comicgeschichten als Kommentare zum aktuellen Zeitgeschehen. Und Bea Meyer beschäftigt sich konzeptionell mit Muster, Rhythmus und Takt, mit der Gleichzeitigkeit von An- und Abwesenheit, von Selbstwahrnehmung bis hin zu Fremd- und Selbststeuerung.
Es sind die gesellschaftlichen Rollenverhältnisse und allgemeine Fragestellungen, die in den zeitgenössischen Arbeiten thematisiert werden. Und der zeitaufwendigen, akkuraten Arbeitsweise wird auch die Schnelllebigkeit unserer Zeit hinterfragt.


Fifi Kreutzer
Der Drachentöter, 1912

Dreiteilige Stickerei mit bemaltem Rahmen
Nadelmalerei, Wolle auf Leinwand, Mittelteil 104,5 x 132 cm, Flügel je 104,5 x 50,5 cm
LVR-LandesMuseum Bonn
© Foto: LVR-LandesMuseum Bonn / Jürgen Vogel



Kuratorin: Dr. Ina Ewers-Schultz. 
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Die Ausstellung wird gefördert von der Ernst-von -Siemens-Stiftung, der Stiftung Kunst der Sparkasse in Bonn, der Carl Knauber Holding GmbH & Co. KG,dem LVR sowie der Stadt Bonn.


Mit Stich und Faden
Expressionistische und zeitgenössische
Kunst im Gegenüber

6. März 2020 – 1. November 2020

Museum August Macke Haus
Hochstadenring 36
D-53119 Bonn


Öffnungszeiten:

ab 5. Juni 2020
Fr / Sa / So 11.00 – 17.00 Uhr


Eintritt:

Erwachsene 9,50 € / ermäßigt 6,00 €

Familienkarte 19,00 € • Kinder bis 6 Jahre frei
Schülergruppen bis 18 Jahre pro Person 3,00 €
Gruppen ab 10 Personen pro Person 7,50 € / 4,00 ermäßigt

Eintritt inklusive Audioguide für
August Macke – Wohn- und Atelierhaus


Mehr Informationen unter:
www.august-macke-haus.de

Mittwoch, 10. Juni 2020

"Steve Reinke. Butter", 6.03. -26.10.2020, mumok, Wien


Ausstellungsansicht/Exhibition view
Steve Reinke. Butter
6. März bis 21. Oktober 2020
Courtesy of the artist and Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin
Photo: Stephan Wyckoff, ©mumok


„Mein Werk will mich tot sehen, so viel ist sicher. Es spricht über nichts anderes“, schreibt Steve Reinke in einem Briefwechsel anlässlich seiner Ausstellung im mumok. Tod und Leben, Empathie und Grausamkeit, Sex und Intimität, aber eben auch das unbehagliche Verhältnis des Autors zu seinem Werk sind Themen, die Reinke (geb.1963 in Eganville, Kanada; lebt in Chicago,USA) in seiner Arbeit beschäftigen.
In bester nietzscheanischer Manier betrachtet er den Menschen allerdings nicht als politisches oder moralisches Wesen, sondern als Spielball mikrobiotischer Agenden: Anstelle eines freudianischen Ich oder Es bestimmen in seinen jüngeren Videos Bakterien, Plazenta und Plankton den Lauf der Welt, und „Kultur“ beschreibt nicht humanistische Exzellenz, sondern Leben aus der Petrischale.



Ohne Titel (Stickerei) / Untitled (needlepoint), 2017, Courtesy der Künstler und Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin, © mumok


Butter, die erste museale Einzelpräsentation des Künstlers überhaupt, zeigt Reinkes neueste Videoarbeit An Arrow Pointing to a Hole sowie eine Auswahl seiner sinistren Textbilder und gedankenverlorenen Stickereien, die auf paradox präzise Weise von Kontrollverlust, Formlosigkeit und Selbstvergessenheit erzählen. Als Künstler und Autor ist Reinke vor allem für seine monologbasiertenVideoarbeiten bekannt, darunter die Serie The HundredVideos (1989–1996), die er programmatisch als „Frühwerk“anlegte. In diesen insgesamt fünf Stunden Filmmaterial verwischt Reinke die Grenze zwischen Dokumentation und Fiktion, indem er gefundene, gefilmte und animierte Bilder mit bekennerhaften Kommentaren versieht und so die narzisstische Struktur unserer heutigen sozialen Medienlandschaft vorwegnimmt.
2006 beginnt Reinke einen neuen Zyklus mit demTitel Final Thoughts, zu dem auch die im mumok präsentierte Arbeit zählt und der erst mit dem Tod des Künstlers abgeschlossen sein wird. Geht es zuvor oft um Fragen der Libido und des Eros, also um das Leben fortschreibende Prinzipien, stehen in Final Thoughts ihre Gegenspieler im Mittelpunkt. Reinke widmet sich dem Ende von Dingen – von Sprache, Bewusstsein und Erfahrung – und damit auch der eigenen Person. In der nächtlichen Monologszene von An Arrow Pointing to a Hole ist der Künstler zwar physisch omnipräsent – als Gesicht, als sonore Stimme und als tätowierter Körper –, ein Jenseits der nackten Manifestation wird jedoch kategorisch infrage gestellt. 



Videostill aus Steve Reinke / Still from Steve Reinke An Arrow Pointing to a Hole, 2019, Video, Farbe, 27:08 Min / video, color, 27:08 min
Courtesy der Künstler und Galerie / Courtesy of the artist and Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin
Foto: © the artist


Bereits als Junge, so will uns der Erzähler glauben machen, hat er sein Unterbewusstsein verloren; seither spricht aus ihm der Chor seines Mikrobioms: „Meine Eingeweide ...Meine Eingeweide summten. Sie summen immer noch, und ich mache meist das, was sie mir sagen.“ 
Hat sich die Prophezeiung erfüllt? Ist das Subjekt Reinke tot? Schwer zu sagen. Definitiv am Leben ist seine Suche nach einer Auflösung der grammatikalischen Fiktion des „Ich“– nach Formen ohne Struktur, ohne Gesicht und ohne Perspektive. Sowohl Reinkes Textbilder als auch seine Stickereien konkretisieren ein solches Begehren nach Formverlust. In der Praxis des Notierens und Kritzelns gründend, stellen sie Bilder dar, die keine Bilder sein wollen, seltsame Hybride zwischen akkurater Ausführung und nebulöser Inhaltlichkeit. Die Zeichnungen von Wörtern und Phrasen beispielsweise, auf denen die Siebdruckserien Portfolio A,B,C,D (2016–2019) basieren, trägt Reinke mit aus einer Pipette tropfender Tinte auf. Die schwer zu kontrollierende Farbspur – mehr Malerei denn Schrift – verleiht Formulierungen wie „Amoeba Navigates Labyrinth“ oder „Strong Corpse Weak Ghost“ eine erratische Ausdruckshaftigkeit. 



Ohne Titel (Stickerei) / Untitled (needlepoint), 2017
Garn auf Kunststoffträger / floss on plastic backing, 18,1 x 9,3 cm
Courtesy der Künstler und Galerie / courtesy of the artist and gallery Isabella Bortolozzi, Berlin,
© mumok



Die seit etwa zehn Jahren entstehenden Stickereien sind ähnlich widersprüchliche Objekte: „wirklich langsame, arbeitsintensive Kritzeleien“, wie der Künstler es formuliert. Reinke fertigt sie ohne Plan oder Absicht an, eine Farbe folgt auf die andere, Muster entstehen und werden wieder aufgegeben. Das Resultat sind seltsam unschuldige, quasiabstrakte Objekte, deren Rückseiten nicht weniger wichtig sind als ihre Vorderseiten und die keine Funktion haben, außer getötete Zeit anzuzeigen. 



Ohne Titel (Stickerei) / Untitled (needlepoint), 2017
Garn auf Kunststoffträger / floss on plastic backing, 11,7 x 14,9 cm
Courtesy der Künstler und Galerie / courtesy of the artist and gallery Isabella Bortolozzi, Berlin,
© mumok



Zur Ausstellung erscheint die erste Monografie zu Steve Reinkes Werk im deutschsprachigen Raum und die erste Publikation, die neben seinen Videoarbeiten auch die Textbilder und Stickereien des Künstlers in den Blick nimmt. Neben einem Vorwort der Kuratorin enthält das Buch Beiträge von Laura U.Marks, Jaakko Pallasvuo, Kerstin Stakemeier und Samo Tomšič sowie von Reinke selbst. Wir danken der Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin, und dem Alice Kaplan Institute of Humanities an der Northwestern University, Evanston, Illinois, für die Unterstützung der Publikation.
Kuratiert von Manuela Ammer 


Ausstellungsansicht/Exhibition view
Steve Reinke. Butter
6. März bis 26.Oktober 2020
Courtesy of the artist and Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin
Photo: Stephan Wyckoff, ©mumok


"Steve Reinke - Butter"

mumok
Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien
MuseumsQuartier
Museumsplatz 1
1070 Wien



Öffnungszeiten:
Mittwoch bis Sonntag: 10:00–18:00


Eintrittspreise:

Normal: € 13,–

Jahreskarte: € 29,–

U 27 Jahreskarte: € 15,–
Für alle unter 27 Jahre
Ermäßigungen

Gruppen ab 10 Personen: € 10,50

Ermäßigt: € 9,50
Menschen mit besonderen Bedürfnissen (mit Ausweis), Senior_innen ab 65 Jahren oder mit Senior_innenausweis

Ermäßigt: € 9,50
Studierende unter 27 Jahre, Zivil-/Präsenzdienstleistende, Arbeitslose


Mehr Informationen unter:
www.mumok.at/de/events/steve-reinke


Dienstag, 9. Juni 2020

"Kunst_Handwerk", 15.05.-04.10.2020, Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig



Ausstellungansicht, Kunst_Handwerk, Haegue Yang, GfZK Leipzig, Foto Alexandra Ivanciu

In den letzten Jahren ist das Interesse zeitgenössischer Künstler*innen am Material, an kunst-handwerklichen Verfahren, am Experimentieren mit Material und Techniken auffällig gewachsen. Die Arbeiten beziehen sich auf kunsthandwerkliche, volkstümliche, künstlerische Traditionen sowie zeitgenössische und technologische Diskurse gleichermaßen. Ihr Umgang mit vormodernem/tradiertem/lokalem Wissen, Materialien und Verfahren ist nicht abschottend, sondern öffnend – hin zu anderen Kulturen, zur modernen und zeitgenössischen Kunst, zu aktuellen Diskursen und zu digitalen Entwicklungen.


Ausstellungansicht, Kunst_Handwerk, Slavs and tatars, GfZK Leipzig, Foto Alexandra Ivanciu


Kultur wird als Fluss von vielfältigen, synchron und diachron gespeisten und miteinander verknüpften Einflüssen und Elementen verstanden, als ein Prozess, in dem sich lokale Formen des Wissens und globaler Wissenstransfer verschränken. Die Bedeutung und Wertschätzung des Handwerks als ein wesentlicher Bestandteil materieller Kultur und kultureller Identität und vor allem das Gemeinschaft stiftende Potenzial von kunsthandwerklichen Traditionen wird mit sozialen und ökonomischen Verhältnissen in einer globalisierten Welt zusammengedacht. Mit diesem Ansatz fordern Künstler*innen auch – quasi als Nebeneffekt – gegenwärtige politische Instrumentalisierungen von Heimat, Volk, Volkskunst und Tradition heraus. Auffassungen von kohärenten, in sich geschlossenen Kulturen und einzigartigen Identitäten kommen dadurch buchstäblich ins Rutschen.


Ausstellungansicht, Kunst_Handwerk, Johannes Schweiger, GfZK Leipzig, Foto Alexandra Ivanciu


Künstler*innen
Azra Akšamija, Plamen Dejanoff, Olaf Holzapfel, Antje Majewski / Olivier Guesselé-Garai, Modern Temperament, Jorge Pardo, Slavs and Tatars, Haegue Yang, Johannes Schweiger

In Kooperation mit dem Kunsthaus Graz und der Kestnergesellschaft Hannover. Mit freundlicher Unterstützung der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen.



Ausstellungansicht, Kunst_Handwerk, Jorge Pardo, Plamen Dejanoff, GfZK Leipzig, Foto Alexandra Ivanciu

"Kunst_Handwerk"
 15.05.-04.10.2020

GfZK
Karl–Tauchnitz-Straße 9–11
D-04107 Leipzig

Öffnungszeiten:
Di – Fr: 14–19 Uhr
Sa – So: 12–18 Uhr

 Mehr Informationen unter:
 https://gfzk.de

Freitag, 5. Juni 2020

"Raffael – Macht der Bilder", Die Tapisserien und ihre Wirkung, 06.06.2020 - 30.08.2020, Gemälde Galerie Alte Meister, Dresden

Raffael (Raffaelo Santi), Das Opfer zu Lystra Bildteppich nach einem Karton von Raffael Teppich; 431 x 647 cm Gemäldegalerie Alte Meister
© SKD, Foto: Herbert Boswank


Ende Februar 2020 wurden die Gemäldegalerie Alte Meister und Skulpturensammlung bis 1800 im Semperbau nach siebenjähriger Teilschließung mit einem Festwochenende wiedereröffnet. Nur wenige Wochen danach musste die Sempergalerie aufgrund der Corona-Pandemie geschlossen werden. 
 

Mittlerweile ist das Haus seit dem 5. Mai 2020 wieder für Besucher*innen zugänglich. Trotz der schwierigen Situation ist es gelungen, im Raffael-Jahr 2020 die Sonderausstellung „Raffael – Macht der Bilder. Die Tapisserien und ihre Wirkung“ mit bedeutenden internationalen Leihgaben zu realisieren, die ab dem 6. Juni zu sehen sein wird: Anlässlich des 500. Todestages des großen Renaissancekünstlers zeigt die Gemäldegalerie Alte Meister der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden (SKD) eine umfangreiche Präsentation zu den sogenannten Dresdner Bildteppichen des namhaften Ausnahmekünstlers der italienischen Hochrenaissance. 



Ausstellungsansicht "Raffael - Macht der Bilder. Die Tapisserien und ihre Wirkung." Gemäldegalerie Alte Meister
© SKD, Foto: Alexander Peitz



Ab 1515 schuf Raffael (Raffaello Santi) im Auftrag von Papst Leo X. zehn großformatige Kartons, nach denen in Brüssel Tapisserien für die Sixtinische Kapelle gewebt wurden. Erstmals wurden diese Bildteppiche, die sich heute in den Vatikanischen Museen befinden, zu Weihnachten 1519 aufgehängt. Raffaels Kartons, heute Teil der Sammlung des Victoria and Albert Museum in London, wurden 1623 vom späteren König Karl I. von England in Genua erworben. Er ließ sie in der englischen Tapisserie-Manufaktur in Mortlake als Vorlage für weitere Serien verwenden. Dort entstand auch die Folge der sechs Wandtextilien, die 1728 in die Sammlung von Kurfürst Friedrich August I. von Sachsen (August der Starke) gelangte. Von ihnen sind drei dem Heiligen Petrus gewidmet, die anderen drei dem Heiligen Paulus. 



Raffael (Raffaelo Santi), Der wunderbare Fischzug Bildteppich nach einem Karton von Raffael Teppich; 415 x 514 cm Gemäldegalerie Alte Meister
© SKD, Foto: Herbert Boswank


Anhand ausgewählter Rezeptionsbeispiele thematisiert die Ausstellung Raffaels Bildteppiche und Entwürfe sowie deren weitreichenden Einfluss auf nachfolgende Künstler*innen bis ins 19. Jahrhundert. Die fünf präsentierten Dresdner Wandteppiche werden durch zwei Leihgaben aus der Pariser Einrichtung Mobilier national ergänzt, die deutliche Ähnlichkeiten in der Bordürengestaltung zu den Dresdner Textilien aufweisen. Ergänzt wird die Präsentation der Tapisserien mit über 50 Gemälden, Skulpturen, Druckgrafiken und Zeichnungen, darunter Werke von Raffael, Nicolas Poussin, Peter Paul Rubens, Rembrandt, Anthony van Dyck, Marcantonio Raimondi und Diana Scultori. Durch antike Skulpturen wird in der Ausstellung zudem verdeutlicht, welchen Einfluss die Kunstmetropole Rom auf Raffaels Formverständnis hatte. 




Ausstellungsansicht "Raffael - Macht der Bilder. Die Tapisserien und ihre Wirkung." Gemäldegalerie Alte Meister
© SKD, Foto: Alexander Peitz


Für die Gemäldegalerie Alte Meister spielen diese textilen Kunstwerke eine zentrale Rolle in der Präsentation. Ursprünglich in der Tribuna des Semperbaus ausgestellt, wurden die Tapisserien ab 1960 im ehemaligen Gobelin-Saal, dem heutigen Winckelmann-Forum präsentiert. In den Jahren von 1992 bis 1999 konnten sie dank des finanziellen Engagements der Rudolf-August Oetker-Stiftung umfassend restauriert werden, nahmen jedoch seit 2008 keinen Teil der Sammlungspräsentation mehr ein. Mit dieser Ausstellung werden sie nach zwölf Jahren der Öffentlichkeit wieder zugänglich gemacht. 




Raffael (Raffaelo Santi), Weide meine Schafe Bildteppich nach einem Karton von Raffael Teppich; 431 x 623 cm Gemäldegalerie Alte Meister
© SKD, Foto: Herbert Boswank


„Raffaels Bildsprache hat von jeher beeindruckt, denn der Ausnahmekünstler der italienischen Renaissance erwies sich als ein Meister klar erkennbarer Bildaussagen, ja geradezu „sprechender“ Bilder. Die Zeichnungen zu den Kartons für die Bildteppiche machen deutlich, wie er den menschlichen Körper in verschiedenen Haltungen studierte und die erzählerische Struktur schließlich in ausgefeilte Bildarchitekturen und Landschaften übertrug. Die Ausstellung kann einige dieser Zeichnungen präsentieren und erlaubt es dem Betrachter so, Raffael gleichsam über die Schulter zu schauen und ihm bei seiner Bildfindung zuzusehen.", Stephan Koja, Direktor Gemäldegalerie Alte Meister und Skulpturensammlung bis 1800. 




Ausstellungsansicht "Raffael - Macht der Bilder. Die Tapisserien und ihre Wirkung." Gemäldegalerie Alte Meister
© SKD, Foto: Alexander Peitz


Vom 14. November 2020 bis 7. März 2021 wird die Ausstellung in leicht veränderter Form unter dem Titel „Raphael – The Power of Renaissance Images: The Dresden Tapestries and their Impact“ im Columbus Museum of Art in Columbus, Ohio gezeigt. 

Begleitend zur Sonderausstellung erscheint die Publikation „Raffael – Macht der Bilder. Die Tapisserien und ihre Wirkung“ in deutscher und englischer Sprache im Sandstein Verlag, herausgegeben von den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, Stephan Koja unter Mitarbeit von Larissa Mohr, 336 Seiten, 48 €, Museumsausgabe 34€, ISBN 978-3-95498-551-7.


Ausstellungsdauer: 6.6. -30.8.2020

Öffnungszeiten: 
täglich 11—17 Uhr, Montag geschlossen
Freitag 11—20 Uhr


Mehr Informationen unter:


Samstag, 23. Mai 2020

Verlängert bis 20. September: "History in Fashion. 1500 Jahre Stickerei in Mode", 21.11.2019 - 20.09.2020, Grassimuseum, Leipzig



Pluviale (Chormantel)18. und 19. Jahrhundertfarbige Seidenstickerei auf blauem Seidendamast Inv. Nr. V8104, Foto:Esther Hoyer



Das GRASSI Museum für Angewandte Kunst Leipzig präsentiert ab 21. 11.2019 in der Ausstellung „History in Fashion. 1500 Jahre Stickerei in Mode“ Stickerei als vielfältige und faszinierende Kunsttechnik. Viele der rund 130 ausgewählten historischen Objekte aus der in großen Teilen unbekannten Textilsammlung des GRASSI werden zum ersten Mal der Öffentlichkeit gezeigt. Arbeiten aus koptischer Zeit und Mittelalter, reiche Stickereien des Barock und 19. Jahrhunderts und aktuelle Werke stehen sich in sechs Themengruppen gegenüber. Traditionelle Kunstfertigkeit und Materialeinsatz sind ebenso wie digitale Techniken und neue Materialien zu entdecken. Aktuelle Themen werden in der Ausstellung diskutiert: Schnelllebigkeit von Mode und technische Entwicklung ebenso wie Gender, Globalisierung und Nachhaltigkeit. Mit einem großen Anteil an historischen Beispielen durchstreift sie zudem zahlreiche Epochen und Themen der Kulturgeschichte und beleuchtet auch Sammlungsgeschichte.


StiefelFlora’s PresentItalien, Deutschland 2017Stickerei in Seide auf textile OberflächeInv. Nr.2017.832a,b, 
Foto: Esther Hoyer


Insgesamt gliedern sechs Themeninseln die Ausstellung. Allgegenwärtig ist dabei stets der Rückgriff auf Formen und Farben der Pflanzenwelt. Blüten, Blätter und Früchte gehören zu den wichtigsten Inspirationsquellen für gestickte Motive auf Kleidung. Durch alle Zeiten symbolisieren sie das Wachsen und Blühen des Lebens, thematisieren Schönheit und Fruchtbarkeit, aber auch Vergänglichkeit. Als Technik für künstlerische Gestaltung spannt Stickerei einen Bogen von Zeichnung über Malerei zu Plastik: Mit ihr lassen sich Bildideen in verschiedenen Materialien auf Gewebe setzen oder werden dreidimensional in die Fläche ein- und aufgebracht. Durch gestickte Zeichen, Bilder und Texte werden Kleidungsstücke zu Bedeutungsträgern. 


Damenhandschuhe, Deutschland, 2.Haelfte des 18. Jahrhunderts, Stickerei in Seide, Gold- und Silberfaden auf Seidengewebe, Foto: Esther Hoyer


Fashion bedeutet in diesem Kontext Kleidermode: Gezeigt wird nicht Mode als Werk eines Modeschöpfers, sondern Kleidermode aus Gegenwart und Vergangenheit unter übergreifenden Fragestellungen zu Technik und Bedeutung. Neben Kleidungsstücken auf Figurinen sind viele Fragmente und Musterstücke zu sehen – nicht nur von historischen Objekten, sondern ebenso von experimentellen Arbeiten der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle. 


History in Gesellschaftskleid, um 1925, Deutschland, Stickerei in Goldfaeden und Glasperlen auf Crepe Georgette, Goldlame
Foto: Esther Hoyer



Fashion bedeutet einerseits Rückgriffe und Anleihen aktueller Mode auf Vorbilder und Anregungen aus historischer Mode sowie andererseits die Geschichte von Anfertigung, Entstehung, Gebrauch und Überlieferung, die jedes einzelne Objekt in sich trägt. In jedem Exponat steckt somit eine Story, die es zu entdecken gilt. So zeigen einige Ausstellungsstücke deutliche Spuren einer Zweit- oder Drittnutzung. Auf diese Weise werden Wachsflecken, die vom einstigen Gebrauch bei Kerzenschein zeugen zu wichtigen Informationsträgern der Objektgeschichte. 


Teil eines Frauenmieders, Frankreich, um 1735,
Seiden- und Silberstickerei auf Seide
Foto: Esther Hoyer




Internationale und globale Vernetzungen spielten in der Modegeschichte schon in der Vergangenheit eine wichtige Rolle. Anregungen und Ideenaustausch halfen und helfen stets dabei, sich mit anderen Kulturen vertraut zu machen. Neben historischen Objekten und Beispielen aktueller Mode werden innovative Werke zeitgenössischer Textilkünstler/-innen und junger Talenten präsentiert. Traditionelle und digitale Techniken werden hierbei ebenso faszinierend eingesetzt wie neue Materialien.
Als Partner für diese Sonderschau hat das Museum die Textilklasse der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle unter der Leitung von Professor Bettina Göttke-Krogmann gewonnen. Die Arbeiten von neun Studierenden zeigen neue Ansätze für die Verwendung von Stickerei auf Kleidung für Hand- und Maschinenstickerei.  



"History in Fashion. 1500 Jahre Stickerei in Mode"
21.11.2019 – 20.9.2020
 
GRASSI Museum für angewandte Kunst
Johannisplatz 5 - 11
04103 Leipzig

Öffnungszeiten:
Di - So/Feiertage: 10 - 18 Uhr

Eintrittspreise:
regulär 8,00 €
ermäßigt 5,50 €
Inhaber Leipzig Pass 4,00 €
Gruppen ab 8 Personen 6,00 €
Abendkarte (ab 17 Uhr) 4,00 €

bis einschl. 18 Jahre FREI
Freier Eintritt an jedem ersten Mittwoch im Monat.


Katalog zur Ausstellung: Zur Ausstellung liegt ein umfangreicher Katalog vor. Sandstein-Verlag, 232 Seiten, ca. 250 Abb., deutsch/englisch, 34 Euro 

Kuratorin: Dr. Stefanie Seeberg/ Kuratorin für Textil Ausstellungsbegleitende 




Mehr Informationen unter:

Mittwoch, 13. Mai 2020

"Amish Quilts meet Modern Art", Ab 19.Mai 2020, Staatliches Textil- und Industriemuseum Augsburg



tim öffnet wieder
Museumsbesuch ab kommender Woche möglich

Augsburg. Nach knapp achtwöchiger Schließung geht im Staatlichen Textil- und Industriemuse- um Augsburg (tim) kommende Woche die Corona-bedingte Zwangspause zu Ende.
Wie tim-Museumsdirektor Dr. Karl Borromäus Murr heute (5.5.20) mitteilte, öffnet das tim ab
12. Mai 2020 seine Pforten wieder für den öffentlichen Besucherverkehr.

Das Museum folgt damit den heute von der Bayerischen Staatsregierung beschlossenen Locke- rungsmaßnahmen im Zuge des Abflauens der Corona-Infektionen im Freistaat.

Murr: „Wir freuen uns sehr, dass das tim ab kommender Woche wieder allen Menschen offen steht. Gerade in Krisenzeiten ist Kultur ein lebenswichtiger Kitt für unsere Gesellschaft. Sie bietet die Möglichkeit, die Krise im Lichte der Vergangenheit zu reflektieren und daraus neue Impulse und Ideen für die Zukunft zu entwickeln. Dies ist momentan wichtiger denn je. Denn: Kultur macht Sinn!“

Gleichzeitig betonte Murr, dass der Museumsbetrieb unter Beachtung zusätzlicher Hygieneregeln stattfinden wird. So gilt in den Ausstellungsräumen Maskenpflicht, auch der Mindestabstand von 1,5 Metern muss eingehalten werden. Gruppenführungen sind momentan noch nicht im üblichen Umfang möglich, ebenso sind einige Mit-Mach-Stationen nur eingeschränkt zugänglich.

„Bei der Öffnung aller Teilbereiche des Museums gehen wir Schritt für Schritt und mit Bedacht vor, passen uns der jeweils gegebenen aktuellen Situation an“, so Murr. Dies betrifft auch die Vor- führungen der Textilmaschinen. „Unsere Web- und Strickmaschinen sind zunächst nur durch die Glasscheibe zu sehen. Das geschieht aus besonderer Verantwortung gegenüber unseren älteren Mitarbeitern. Insgesamt gilt: der Schutz der Gesundheit hat oberste Priorität.“ 
Murr verspricht den Besucherinnen und Besuchern spannende kulturelle Erlebnisse für die nahe Zukunft: „Wir haben für Sie auch während der Zeit der Schließung weitergearbeitet. Auf Sie wartet ab 19. Mai 2020 die große neue Sonderausstellung „Amish Quilts meet Modern Art“. Einzigartige historische Quilts der amerikanischen Amish People treffen auf hochklassige zeitgenössische Kunst und befassen sich mit der wichtigen Frage, wie wir als Gesellschaft zusammen leben möch- ten - angesichts der aktuellen Krise eine zentrale Frage für die Zukunft. Zudem bereichert die Künstlerin Esther Irina Pschibul mit faszinierenden Interventionen die tim-Dauerausstellung. Und last but not least erleben Sie im Foyer des tim die außergewöhnlichen Fotos von Karl Lagerfeld, die der international renommierte Fotograf Daniel Biskup im Jahr 2002 von dem berühmten Mo- deschöpfer im nächtlichen Berlin gemacht hat.“


Zur Ausstellung Amish Quillst meet Modern Art:


Ordnung und Chaos, Gemeinschaft und Individualität, Innen und Außen – das sind nur einige der Themen von großer Aktualität, die das tim in seiner neuen Sonderausstellung behandelt. Gerade angesichts der aktuellen Corona-Entwicklung sind Museen wichtige Orte kultureller Sinnstiftung. Als eine Art Zeitmaschinen können sie in einzigartiger Weise Vergangenes mit Gegenwärtigem in Beziehung setzen und so kraftvolle Ideen für Herausforderungen der Zukunft entwickeln. In Zeiten der Krise dienen sie mehr noch als sonst als verlässlicher Kompass auf die Frage, wie wir künftig als Gesellschaft miteinander leben wollen.

Vor diesem Hintergrund treten also in der Ausstellung historische Amish Quilts und zeitgenössische Kunst in eine faszinierende Beziehung zueinander. Auf mehr als 1.000 Quadratmetern Fläche erleben Sie als Besucher*in eine einzigartige Auswahl originaler Amish-Quilts aus der Zeit von 1890 bis 1950 und hochkarätige Arbeiten zeitgenössischer Kunst. Im spannenden Wechselspiel suchen die Objekte aus den unterschiedlichen Epochen nach tragfähigen Antworten auf grundlegende Fragen unserer menschlichen Existenz. Dabei gewähren sie überraschende und aufschlussreiche Einblicke in die Gründe wie Abgründe gegenwärtigen Lebens, traditioneller Wertvorstellungen und gegenwärtiger Kunst.

Die Schau zeigt hochklassige Werke von: Winfred Gaul, Arne Quinze (Belgien), Jan Kuck, Sophia Süßmilch, Felix Weinold, Charly-Ann Cobdak (USA), Urs Lüthi (Schweiz), Miro Craemer, Andrea Büttner, Dorothée Aschoff, Mike Kelley (USA), Julius von Bismarck, Adeela Suleman (Pakistan), Beate Passow, Rose Stach, Ulla von Brandenburg, Hans Peter Reuter, Manfred Mayerle, Julio Rondo (Spanien), Michael Hofstetter, Olaf Probst, Wade Guyton (USA)

Mehr Informationen unter:



Donnerstag, 5. März 2020

Ausschreibung: Stipendium Lustenau

Bewerbungsschluss: 31. März 2020
 
Lustenau, Österreich

Der Verein Stickerei – Museum Archiv Kommunikation (S-MAK) und die Galerie Hollenstein – Kunstraum und Sammlung schreiben ein künstlerisches sowie ein wissenschaftliches Stipendium aus. Im Rahmen eines sechswöchigen Aufenthalts ab 1. August 2020 sollen sich die ausgewählten Stipendiaten mit einem Themenschwerpunkt aus dem Bereich Textiles und Stickerei beschäftigen. Das künstlerische Stipendium soll in einem Werk resultieren, welches sich an Formaten und Präsentationsformen der bildenden Kunst orientiert. Die Ergebnisse werden anschließend in einer Ausstellung sowie einer Publikation veröffentlicht.

Da die Strukturen des Vereins S-MAK eine Erforschung der Bestände derzeit nur sehr bedingt zulassen, sollen im Rahmen des Stipendiums neue Aspekte der Sammlungen zutage fördern. Im Zentrum der Tätigkeit während des Aufenthalts soll also die Auseinandersetzung mit der Sammlung stehen. Die Sammlung des Vereins beinhaltet Objekte und Textilien, darunter rund 300 hochwertige Stickereikleider, zahlreiche Musterbücher und -zeichnungen, das Musterschutzarchiv des ehemaligen Stickereiverbandes, Stoffe, Bildmedien (Fotografien, Dias, Filme …) usw. Zusätzlich umfasst die Sammlung kleinere und größere Maschinen für die Stickereiproduktion. Ein genauerer Einblick in die Objekte der Sammlung kann unter http://s-mak.at/sammlung/ abgerufen werden.

Im Rahmen des Stipendiums stellen wir den Stipendiaten eine Unterkunft und die Nutzung eines Ateliers, sowie einen ausgewählten Teil des Sammlungsbestands zur Verfügung. Während ihres Aufenthalts werden die Stipendiaten von Mitarbeitern des S-MAKS betreut.

Für den künstlerischen Teil richtet sich das Stipendium an bildende KünstlerInnen mit einem starken Bezug zu Textilien oder (Textil-)Design. 

 Einzureichen ist eine PDF-Datei mit max. 6 MB, die folgendes beinhaltet:

 - Angabe vollständiger Kontaktdaten und Nennung der Sparte Kunst
- Arbeitsproben (im Falle von Filmen und Videoarbeiten ein Vimeo- oder Youtube-Link) 
- Skizzierung eines Arbeitsvorhabens (max. eine A4-Seite)
- Lebenslauf

Kontakt: claudia.voit@lustenau.at

Mittwoch, 4. März 2020

Ausschreibung: Professur Textildesign/Textilkunst, Fakultät Angewandte Kunst Schneeberg


Die Westsächsische Hochschule Zwickau bildet rund 4.200 Studierende in acht Fakultäten aus. Als „Hochschule für Mobilität“ entwickeln wir mit unserer disziplinären und kulturellen Vielfalt Lösungen für die Zukunftsfragen des Megatrends Mobilität und liefern substanzielle Beiträge zur Lösung gesellschaft-licher und ökonomischer Herausforderungen. Das Zusammenwirken zwischen Mensch und Technik ist dabei der Kristallisationskern unseres interdisziplinären Wirkens. Dem Credo "innovation meets tradition“ folgend wird der angewandten Forschung sowie der angewandten Kunst und des Designs eine hohe Bedeutung beigemessen, was regelmäßig zu Spitzenplätzen sowohl bei Studienrankings, als auch bei der Drittmittelquote führt. Die Automobil- und Robert-Schumann-Stadt Zwickau, das Erzgebirge mit der Bergstadt Schneeberg und der Freistaat Sachsen bilden für die Hochschulmitarbeiter*innen ein at-traktives Arbeits- und Lebensumfeld. 
 
 
An der Fakultät Angewandte Kunst Schneeberg ist ab 01.09.2020 folgende Stelle (m/w/d) unbefristet zu besetzen: 
 
Professur Textildesign/Textilkunst 
unter besonderer Berücksichtigung des Textildesigns
W2, Teilzeit (0,5 VZÄ), Kenn-Nr. Zw AK 118. 
 
Ihre Tätigkeit 
 
Sie vertreten die Lehr- und Forschungsaktivitäten auf den Gebieten Textildesign/Textilkunst. Die Lehrtätigkeit erfolgt im Rahmen des Bachelorstudienganges Gestaltung sowie des Masterstudienganges Gestaltung. 
Die Professur beinhaltet die Übernahme von Lehrveranstaltungen in den Fachgebieten künst-lerischer-gestalterischer Entwurf und Produktentwicklung mit dem Schwerpunkt Textilgestaltung. Sie sind bereit, Lehraufgaben auch in fachlich artverwandten Gebieten, insbesondere Grundlagenfächern, sowie in Weiterbildungsangeboten der Hochschule zu übernehmen. Sie sind bereit und in der Lage, die zu vertretenden Lehrveranstaltungen in deutscher und englischer Sprache durchzuführen. Die Weiterentwicklung der organisatorischen, inhaltlichen und methodisch-didaktischen Konzeption und Materialien ihrer vertretenen Studiengänge sowie die Beratung und Betreuung der Studierenden (z. B. im Rahmen von Projekt- und Abschlussarbeiten oder Praktika) zählen ebenso zu Ihren Tätigkeiten. 
Neben der Lehre zeichnen Sie sich durch Forschungs- und Entwicklungsaktivitäten mit Partnern aus der Wirtschaft und dem Hochschulbereich aus. Die selbstständige Zusammenarbeit mit Praxispartnern in Handwerk und Industrie, aber auch die Initiierung von Aktivitäten im Bereich Kommunikation/Studienwerbung/Öffentlichkeitsarbeit gehören ebenfalls zum Anforderungsprofil. Publikationstätigkeiten und das Einwerben von Drittmitteln sind Bestandteil Ihrer Forschungstätigkeiten. Sie pflegen die Kontakte zur Unternehmenspraxis und bauen unser Kooperationsnetzwerk weiter aus. Sie arbeiten aktiv in der akademischen Selbstverwaltung mit und fördern die interdisziplinäre Zusammenarbeit in Lehre und Forschung. 
 
Ihr Profil 
 
Gewünscht sind einschlägige wissenschaftliche sowie unternehmerische Erfahrungen auf einem oder mehreren der folgenden Gebiete:
 • Praktische und unternehmerischer Erfahrungen auf den Gebieten Textildesign/Textilkunst sowie Methodenkompetenz, 
• Selbstständige Zusammenarbeit mit Partnern des Handwerks und der Industrie auf Anwendungs-feldern des Textildesigns unter Berücksichtigung von Themen der Nachhaltigkeit. 
 
Neben den allgemeinen dienstrechtlichen Voraussetzungen müssen die Einstellungsvoraussetzungen des § 58 SächsHSFG, Absatz 1-4 oder Absatz 5 bei Ihnen gegeben sein. 
 
Wir suchen eine Persönlichkeit, die durch entsprechende praktische und wissenschaftliche Tätigkeiten die praxisorientierte Lehre und die angewandte Forschung in den Profillinien der Hochschule weiter ausbauen will. Erfahrungen bei der Einwerbung von Drittmitteln und Betreuung von Forschungsprojekten sind vorteilhaft. Für die zunehmende Internationalisierung der Hochschule verfügen Sie über sehr gute Englischkenntnisse in Wort und Schrift. Auslandserfahrungen sind erwünscht. 
Als zertifizierte „Familiengerechte Hochschule“ entwickeln wir entsprechend angepasste Arbeits- und Studienbedingungen. Wir legen Wert auf Ihre Weiterentwicklung und eine ausgeglichene Work-Life-Balance. Zudem messen wir der Betreuung der Studierenden und der Einbindung der Hochschule in die Region einen hohen Stellenwert zu. Deshalb ist eine hohe Präsenz der Lehrenden an der Westsächsischen Hochschule erforderlich. Entsprechend wünschen wir, dass Ihr Lebensmittelpunkt in der Region liegt. 
Schwerbehinderte werden bei gleichwertiger Eignung, Befähigung und fachlicher Leistung bevorzugt berücksichtigt. 
Die Westsächsische Hochschule Zwickau strebt die Erhöhung des Anteils von Frauen in Forschung und Lehre an. Qualifizierte Wissenschaftlerinnen sind deshalb ausdrücklich aufgefordert, sich zu bewerben. 
 

Wir haben Ihr Interesse geweckt?
 
Wir freuen uns auf Ihre aussagekräftigen Bewerbungsunterlagen (Motivationsschreiben, Lebenslauf, wiss. Werdegang, relevante Zeugnisse und Qualifikationsnachweise, Liste der Lehrveranstaltungen, Er-gebnisse von Lehrevaluationen, Publikationstätigkeit, Überblick Vortragstätigkeit, Liste der eingeworbe-nen Drittmittel) sowie über Ihre Vorstellungen zum zukünftigen Engagement im Bereich der Lehre und der angewandten Forschung (Kurzkonzept, jeweils 1 bis 2 Seiten). 
 
Bitte senden Sie diese unter Angabe der Kenn-Nr. Zw AK 118 
bis zum 31.03.2020 an die: 
 
Westsächsische Hochschule Zwickau 
Rektorbüro 
Dr.-Friedrichs-Ring 2a 
D-08056 Zwickau
 
 oder per E-Mail/PDF an:
 
rektorbuero@fh-zwickau.de 
 
Rückfragen zur Stellenausschreibung bitte an: 
Tel.: +49 (0) 375/536-1825 
E-Mail: martina.schoeniger@fh-zwickau.de 
 
zum formellen Ablauf des Berufungsverfahrens bitte an: 
Berufungsbeauftragter Tel.: +49 (0) 375 536 1014 
E-Mail: rektorbuero@fh-zwickau.de 
 
Weitergehende Informationen zur Berufung einer Professur an der Westsächsischen Hochschule Zwickau, zu den erforderlichen Bewerbungsunterlagen und zum Ablauf des Berufungsverfahrens finden Sie unter https://www.fh-zwickau.de/service/stellen

Mittwoch, 8. Januar 2020

OPEN CALL "HELEN'S DRESS" - FOR ARTIST RESIDENCY/ WORKSHOPS/ EXHIBITION IN GREECE - JUNE 2020

"HELEN'S DRESS" OPEN CALL FOR FEE FREE ARTIST RESIDENCY/ WORKSHOPS/ EXHIBITION IN GREECE_JUNE 2020:
 
We are looking for artists working with Jewellery art, Textile Art, Embroidery, Story Telling, Mythology, Fiction and Non Fiction, Performance, Soft sculpture to participate in "Helen's Dress" programme from Monday 22 to Saturday 27 June 2020.
 
Concept/Workshops/Curating: Loukia Richards and Christoph Ziegler. Traditional Greek embroidery is taught by Metaxia Hantelis.
 
Τhe ARTIST RESIDENCY/ WORKSHOPS/ EXHIBITION is realized by the Vamvakou Revival team in the frame of the project "Vamvakou Revival". The latter is realized thank to the moral and financial support of the Stavros Niarchos Foundation.
 
INTRODUCTION:
 
According to a myth version, Helen of Troy - Greek mythology's most famous adulteress - never left Sparta and her king husband to follow her lover Paris, prince of Troy; instead, she fooled Paris by giving him a speaking effigy which looked like her, talked like her, made love like her and dressed like her.
 
Thus, moon goddess Helen - her name derives from Selene/moon - fooled everybody and remained faithful only to her own self. This version of the myth gives participants the opportunity to work on Helen's imaginary effigy and adorn her dress with their own stories translated into the visual language of the embroidery motifs and /or jewellery.
 
During the workshop, participants experiment with traditional Greek textile techniques, develop a narrative and a concept of their new work, test the power of traditional textile practice to support women's social role, design with threads, words and movement the perfect outfit for a 2020s female role model and learn fascinating Greek embroidery techniques.
 
HELEN'S DRESS_THE AIR/WORKSHOPS/EXHIBTIION PROGRAM AT VAMVAKOU REVIVAL 2020:
 
The Artist Residency/Workshops/Exhibition programme "Helen's Dress" is part of the "Vamvakou Revival" program for Summer 2020.
"Helen's Dress" focuses on and is inspired by the Greek myth of Helen, queen of Sparta, its versions and updated interpretations.
 
"Helen's Dress" offers eight (8) visual artists/designers/performers/writers/art theorists the opportunity to broaden their practice, to enrich their knowledge on the compatibility of Greek myhology to give valuable answers to contemporary dilemmas, discover the beauty of symbols and visual language of Greece’s embroidery motifs, deal with the concept of faith, love, betrayal and improvise on their own version of Helen's myth.
 
"Helen's Dress" focuses on the trinity: Embroidery - Narrative - Participatory Performance. It offers workhops on traditional and contemporary embroidery, on narrative and mythology, on textile art theory and practice, on performance; as well as, creative walks through Sparta and the region and interaction with the visitors and locals. The program is folllowed by the exhbitiion or presentation of the works or performances or narratives created during the Artist Residency.
 
Participation in the workshops program is obligatory for all team members regardless of their competence in the subject taught, for the workshops effectiveness is based on interaction of and creative interventions by all team members and not on hierarchical teaching.
 
Participants are obliged to give a short lecture on the topics and concepts the program focuses on or present their own practice and techiques on the last day of "Helen's Dress".
 
"Helen's Dress" programme starts in the morning of Monday 22 June 2020 and ends in the early afternoon of Saturday 27 June 2020.
English and Greek is spoken during the program.
 
WHO CAN APPLY FOR "HELEN'S DRESS" AIR/WORKSHOPS/EXHIBITION PROGRAM?
 
"Helen's Dress" Open Call addresses international, mid-career visual artists or designers or performers / writers or story tellers/ art historians or critics working in one of the following disciplines:
Textile art/ Embroidery / Jewellery Art / Mythology / Performance/ Soft sculpture/ Fashion / Design / Story Telling or Fiction or Non-fiction.
Crafting, story telling and social bonding were not separated at the very beginning of art. The Helen's Dress workshops' holistic approach to performance, textile art, feminism, story telling and ritual aims at reuniting the fragmented reality of contemporary art by linking embroidery to a strong narrative, to symbols and allegories, to the very physical experience of team bonding through participatory performances.
 
Participation in "Helen's Dress" programme is fee free. No application fee is charged either.
 
Emerging artists or students or autodidacts or amateurs or mid-career artists who do not meet application requirements or have not been selected to participate in the program or cannot attend the whole program, may - nevertheless - apply to participate in the workshops as Followers. To that purpose, they must submit a Follower's Application (see more details below). Followers participation in "Helen's Dress" workshops is fee free.
 
HOW TO APPLY FOR "HELEN'S DRESS" AIR/WORKSHOPS/EXHIBITION?
 
CandIdates wishing to participate in the program should submit a portfolio including the following:
 
1. A short bio (150 words maximum) written in the first or the third person singular and highlighting the major events or achievements in the applicant's professional career and/or life.
2. A bullet point CV (one Α4 page maximum) including one or more sections such as; Education, Exhibitions/Presentations/Lectures, Awards or Distinctions or Grants, Catalogues or Publications, previous Artist In Residence experience, Teaching experience or Academic career or whatever the applicant considers to be of importance.
3. A short proposal (150 words maximum) on what the applicant wishes to achieve during/through the program.
4. An answer to the question (100 words maximum): What is the applicant's positive impact on the program, if selected?
5. Visual artists or Performers or Story Tellers should submit: Six (6) sharp and on focus photos of applicant's work or three (3) videos (3 minutes maximal duration each) or thee (3) sharp and on focus pictures and one (1) videos (3 minutes maximal duration). Writers or art theorists sould submit: Three (3) copies of text or text fragments (350 words maximum/each).
6. A Cover Letter mentioning that the candidate submits a portfolio application for the "Helen's Dress" program.
The applicant should also mention in the Cover letter, if in case of a non successful application, he/she wishes to participate in the fee free workshops as a Follower.
7. The applicant should also include in his/her Cover Letter the following information: Name, Age, Address, Country of Origin, Profession.
8. Application language is English and Greek.
 
The candidate may also include in his/her application portfolio (non obligatory):
 
1. A weblink/website/blog with pictures/text/documentation of previous events or projects.
2. Weblinks or PDFs with articles on his/her work or relevant interviews.
3. Whatever he/she thinks it is of importance for the best pesentation of his/her application.
 
The candidate e-mails his/her application (via WeTrasfer) to:
 
loukiarichards@gmx.de
 
APPLICATION DEADLINE:
 
Sunday 19 January 2020 (11.59 pm CET).
 
Selected participants will be notified per E-mail by mid-February 2020. The names of the selected participants will be posted in the website and social media of "Vamvakou Revival" as well.
 
 
WHAT DOES "HELEN'S DRESS" OFFER TO THE SELECTED PARTICIPANTS?
 
1. Six days/Five nights free accomodation in shared, double rooms (breakfast included) for the period Monday 22 June (check in) to Saturday 27 June (check out) in Vamvakou, Laconia/Peloponnese.
2. Free free workshop participation (see schedule below).
3. Individualized curatorial and consulting services to develop new work and present it in the best possible way.
4. Exhibition/presentation curation.
5. Promotion of the "Helen's Dress" program and participants' new work through the local, national and international Press.
6. . Promotion of the "Helen's Dress" program and participants' work through the websites and social media pages of "Vamvakou Revival" and its partners.
7. Photographic and video documentation of the "Helen's Dress" program.
8. Participants' fee free transport from Sparta to Vamvakou (in the morning of Monday 22 June 2020) or from Athens (Sunday 21 June 2020). Participants' fee free transport from Vamvakou to Sparta (in the afternoon of Satuday 27 June 2020) or to Athens (Sunday 28 June 2020). Please, note that additional accomodation cost outside the dates (check in) Monday 22 June an (check out) Saturday 27 June or transport fees for different dates than the ones explicitly mentioned above or to other destinations will be covered by the participant.
9. Available material free of charge for workshop purposes and for making new work.
10. Available material free of charge for the making of the exhibition/presentation.
11. Participants own and keep the works they created during the program.
12. Participants receive a certificate for participating in "Helen's Dress" program.
 
FOLLOWERS
WHO MAY APPLY TO ATTEND THE WORKSHOPS AS A FOLLOWER?
 
Eight (8) emerging artists, students, autodidacts, amateurs, young writers or Story Tellers, as well as applicants for the "Helen's Dress" AIR/Workshops/Exhibition programme who have not been admitted or cannot afford to follow the whole program, may apply for participating in the Followers' Fee Free Workshops Program.
Followers follow the same workshops program together with the selected participants, ask questions and add their comments or observations; however, they do not enjoy consulting or curating services nor show their work in the exhibition/presentation.
 
HOW TO APPLY AS A FOLLOWER?
 
Please, submit:
 
1. A short bio (150 words maximum) written in the first or the third person singular and highlighting the major events or achievements in the applicant's professional career and/or life.
2. An answer to the question (100 words maximum): What is the applicant's positive impact on the program, if selected?
3. Visual artists or Performers or Story Tellers should submit: Six (6) sharp and on focus photos of the applicant's work or one(1) video (3 minutes maximum). Writers or art theorists submit: One copy of text or a text fragment (350 words maximum).
4. A Cover Letter mentioning that the candidate submits a Follower application for the workshops program.
5. The applicant should also include the following information in his/her Cover Letter: Name, Age, Address, Country of Origin, Profession.
8. Application language is English or Greek.
 
The candidate may also include in his/her application portfolio (non obligatory):
1. A weblink/website/blog with pictures/text/documentation of previous events or projects
2. Weblinks or PDFs with articles on his/her work or relevant interviews.
3. Whatever he/she thinks it is of importance for the best pesentation of his/her application.
 
The candidate e-mails his/her Follower application (via WeTrasfer) to:
 
FOLLOWER APPLICATION DEADLINE:
 
Sunday 3 May 2020.
Selected Followers will be notified per E-mail by the end of May 2020. The names of the selected Followers will be posted in the website and social media of "Vamvakou Revival".
 
The next OPEN CALL for the fee free programme on "Jewellery and Ecology" (Septemeber 2020_Greece) will be published in January 2020.